Seguimos explorando qué libros deberías haber leído si tienes menos de 35 años. Como os dije, es una lista muy personal, tratando de huir de los clásicos más intocables. Una fiesta literaria que, os garantizo, al menos nunca olvidaréis.

Vamos allá.

‘El fin de la fe’, de Sam Harris

Hace un tiempo hubo una moda bastante intensa que consistió en publicar libros que no solo cuestionaran todas las religiones del mundo o los basamentos de la fe en lo irracional, sino que incluso señalaban que la fe no es respetable, que el agnosticismo no es más que ignorancia o miedo a pronunciarse, que ha llegado la hora de plantar cara e imponer una era de razón y pruebas empíricas, y que si alguien considera que debe continuar con sus pequeños cultos, que lo haga en privado. Probablemente el mejor libro de aquella oleada fue El fin de la fe, del neurocientífico Sam Harris. No es necesario que leáis la obra entera. Sólo 30 páginas son suficientes para que yo admita que Harris construye una argumentación que está entre lo mejor que he leído en mucho tiempo sobre este tema. No apto para mentes hipersensibles.

‘Sin noticias de Gurb’, de Eduardo Mendoza

Un extraterrestre que, para pasearse por la Barcelona más quinqui y carpetovetónica, decide camuflarse bajo el aspecto de Marta Sánchez. ¿Qué más se puede pedir en esta obra de ciencia ficción dedicada al despiporre? Es una obra que en muchos institutos se ha recomendado su lectura, pero si aún no lo has hecho, entonces tienes la obligación moral de leer la que posiblemente sea la más hilarante obra del escritor Eduardo Mendoza. Una hilaridad, por cierto, no exenta de una ácida crítica a las facetas más oscuras de la ciudad condal. En mi caso, la gente me miraba raro cuando leía este libro en el metro: de repente estallaba en carcajadas como si fuera un orate.

‘La naranja mecánica’, de Anthony Burgess

A pesar de que la película ha envejecido mal, esta obra fue adaptada por Stanley Kubrick. Sólo por eso deberías leerla. Por eso y porque estamos ante una de las grandes distopías de la literatura, jalonada de hiperviolencia gratuita y vasos de leche. Publicada en 1962, la obra también presenta muchos neologismos que tal vez deberíamos a nuestra jerga diaria. ¿Qué os parece, drugos?

‘El palacio de la luna’, de Paul Auster

A pesar de que a muchos les parece meliflua, para mí El palacio de la Luna es una de las obras más absorbentes del prolífico (y un tanto repetitivo, reconozcámoslo) Paul Auster. A pesar de que aquí no hay magia ni geografías fantásticas, tras leer esta obra probablemente os sentiréis transportados a otro lugar donde las coordenadas y las abscisas de la realidad han sido trastocadas. Aquí, pues, encontramos los mimbres distintivos que tejen los argumentos de Auster: azar, realismo mágico, minuciosidad psicológica. A pesar de la utilización de algunos elementos “postmodernos” resulta difícil encuadrar a Paul Auster dentro de un movimiento concreto.

‘El señor de las moscas’, de William Golding

Publicada en 1954, fue la primera novela de Golding, y una de las más redondas de la literatura universal para retratar lo de que el hombre es un lobo para el hombre, que la educación y los valores están muy bien cuando vivimos en un entorno favorable, pero que nuestra parte más primitiva aflora en cuanto el contexto cambia. Sobre todo si estamos hablando de niños y adolescentes. ¿Quién no ha podido comprobar que los colegios son algo así como junglas darwinianas? Aquí los niños y los adolescentes acaban perdidos en una isla, y deben formar entre todos una nueva estructura social, nuevas normas, nuevos valores. Enseguida quedará a la vista las más bajas pasiones de algunos de ellos, poniendo de manifiesto que convivir, sin que vele por nosotros alguna instancia superior, resulta francamente difícil. Y mortal.

El viejo y el mar, de Ernest Hemingway

Un relato de supervivencia, de soledad, siempre narrado con la solvencia de Hemingway, capaz de contar lo más profundo con la prosa más lisa, demostrando una vez más el poder que tiene la palabra sin necesidad de artificios. Nos adentramos en la aventura del viejo, que, tras 84 días sin lograr pescar nada, se adentra solo en el mar y finalmente encuentra un pez enorme, que solucionaría todos sus problemas, y que le devolvería la gloria de sus tiempos pasados. Una obra vibrante, de fácil lectora, corta, pero que deja un poso indeleble, como una mancha de café en el alma.

‘Lolita’, de Vladimir Nabokov

Un libro prohibido en muchos países que, aún hoy, no está exento de polémica. Sólo por ello, ya deberíamos leerlo, porque el lector audaz siempre aspira a leer lo que los demás no le dejan leer. No en vano, Nabokov plantea una historia de amor con sustrato pederasta. Aunque tal vez esa sea la visión superficial de la historia. Si profundizamos, descubriremos muchos más matices, como el hipnotismo de la belleza, el miedo a envejecer, la inseguridad frente a la espontaneidad y un largo etcétera.

‘Yo, robot’, de Isaac Asimov

Asimov fue uno de los escritores más prolíficos de la historia. Apenas corregía, escribía a vuelapluma, durante muchas horas del día, sobre toda clase de temas. Sin embargo, Yo, robot, por sus potentes ideas vertidas, parece haber sido cincelado en mármol. Novela de ciencia ficción por antonomasia acerca de lo que significa ser robot en relación al ser humano (¿para cuándo la adaptación cinematográfica), la obra es una colección de relatos en los que se establecen y plantean los problemas de las tres leyes de la robótica.

‘A sangre fría’, de Truman Capote

¿Se pueden llegar a comprender las motivaciones del mal? ¿Las razones de un asesino? ¿Las constelaciones neuronales de un psicópata? Truman Capote lo intenta, y consigue seducirnos. Por muy execrable que sea el crimen de sus protagonistas, Capote nos demuestra que, desde la barrera, es muy fácil emitir juicios morales. Pero si te enfangas hasta las corvas, si realmente corriges la miopía empática de la que todos adolecemos, entonces las cosas no son tan sencillas. Y lo malo y lo bueno se convierten en términos porosos y ambivalentes. Y las cadenas causales los verdaderos responsables del ser humano, títeres frente al destino.

Misery, Stephen King

Con razón hay una adaptación cinematográfica sublime, así como decenas de adaptaciones teatrales de una de las mejores novelas del maestro del terror, Stephen King. Se abordan aquí las obsesiones de una fan de un escritor, así como la circunstancia de que ese escritor se vea obligado a permanecer durante días, semanas y meses en el domicilio de la fan. Una fan pirada, loquísima, llena de melindres, que no sólo obligará al escritor a reescribir su última novela, sino que recibirá toda clase de perrerías para que la idea de escapar ni siquiera se alumbre en la parte más remota de su cerebro. Un obra para leer de principio a fin sin descanso, con el aliento congelado, con algunos tramos tan explícitos y terribles que ni siquiera la película dirigida por Rob Reiner se atrevió a presentar (sustituyendo una amputación con posterior cauterización, todo casquería, por una simple rotura de huesos, por ejemplo). Si nunca has leído a King, ésta es tu novela.

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Durante la pasada edición de la Comic Con de San Diego –evento imprescindible para Hollywood, la prensa y el fan– surgió una de las noticias cinematográficas más importantes de los últimos años. Batman y Superman se verán las caras por primera vez en una película que se estrenará en 2015. El sorprendente anuncio se completaba con unos pocos pero fundamentales detalles: el guion lo escribirá David S. Goyer, la dirección correrá a cargo de Zack Snyder, entre los productores figurará Christopher Nolan y Henry Cavill volverá a interpretar al hombre de acero.

Ni una palabra sobre quién va a encarnar al caballero oscuro. Por eso, por los nombres confirmados, y porque ya estaba en marcha una segunda entrega de ‘El hombre de acero’ (”Man of Steel’, Z. Snyder, 2013), en un primer momento se dijo que Batman sería incluido en esa secuela de las aventuras de Superman como un socio momentáneo que sería presentado al público con un nuevo rostro, un primer paso para el (inevitable) reboot del personaje tras la trilogía protagonizada por Christian Bale. Esta información fue desmentida poco después, cuando Goyer dejó caer que el título del proyecto que preparan en Warner Bros. será ‘Superman Vs. Batman’ o ‘Batman Vs. Superman’.

Los dos superhéroes llevan compartiendo viñetas desde los años 50, y aunque han tenido sus más y sus menos, lo normal es que unan fuerzas para combatir el crimen: uno es el cerebro y otro el músculo. Pero… ¿Batman contra Superman? ¿Es posible un combate entre un hombre contra un… Dios? Parece un duelo absurdo, se resolvería en menos de lo que Muhammad Ali tardó en tumbar a Sonny Liston. ¿O no? En realidad, la cuestión tiene miga. En el acto donde se anunció el proyecto se leyó un célebre diálogo a todos los asistentes: “Quiero que lo recuerdes, Clark… en los próximos años… en tus momentos mas íntimos… quiero que recuerdes mi mano en tu garganta… quiero que recuerdes al único hombre que te ha vencido“. El que habla es Bruce Wayne en ‘El regreso del señor de la noche’, el mítico cómic de 1986 escrito e ilustrado por Frank Miller.

Snyder quiso que todos recordaran una hazaña prácticamente imposible –Batman usó la kriptonita para vencer a Superman– y aunque no adaptará la historia de la prestigiosa novela gráfica se sabe que mantendrá una reunión con Miller para discutir las posibilidades de un encuentro y un enfrentamiento que parecía reservado solo a cómics y piezas animadas. Recordemos que en 2003 el director Wolfgang Petersen tenía previsto iniciar el rodaje de esta misma película pero el guion no puso de acuerdo a los productores. Por suerte, Goyer, Snyder y Nolan han devuelto la vida el proyecto, un sueño hecho realidad para millones de fans, la película con la que Warner pretende triunfar en taquilla el mismo año en el que llegarán a los cines ‘Los Vengadores 2′ y ‘Star Wars 7′. Nos esperan dos años muy largos por delante…

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Las listas de los más leídos de la librería de turno no me gustan nada. Porque entra de todo, desde la dieta chorra del año hasta las memorias de algún famosete estulto. Así que no esperéis la típica lista aquí. Esto es una lista, personalísima, tanto de libros de ficción como de no ficción que el que suscribe considera que cualquier persona menor de 35 debería haber incorporado a su bagaje cultural para considerarse un buen lector, una buena mente y una mejor persona. Nada más.

‘Otra vuelta de tuerca’, de Henry James

La novela de terror por antonomasia. La obra en la que se han inspirado las miles de obras y películas que han tratado sobre casas encantadas. Los mimbres del susurro, el quejido de la puerta y el cuadro que se cae al suelo. No puedes entender los orígenes del terror si no has leído Frankenstein o Drácula, pero no puedes entender el género de los fantasmas si no las leído Otra vuelta de tuerca, publicada en 1898. O mejor dicho: no puedes entender el salto cuántico del género de las casas encantadas, el salto al tono moderno de los fantasmas, sin haber leído Otra vuelta de tuerca. Otra vuelta de tuerca ha sido llevada en muchas ocasiones al cine o a la televisión, incluso en España, por parte de Eloy de la Iglesia.

‘No Logo’, de Naomi Klein

No puede existir alguien que se autodenomine como antisistema o crítico contumaz con lo circundante si no ha leído a Naomi Klein (y por contraposición a Joseph Heath en Rebelarse vende, claro, que hay que ser también autocrítico). El grueso y denso No Logo: el poder de las marcas, de la periodista e investigadora Naomi Klein (Canadá, 1970), personaje de gran influencia en el movimiento antiglobalización y el socialismo democrático, fue uno de los ensayos mejor vendidos y más populares de por allá el año 2000. Un ensayo que analiza desde distintos puntos de vista cómo nos influyen las marcas, cómo se gestionan en la sombra, cómo los técnicos del marketing idean sistemas lobotomizadores cada vez más ingeniosos, cómo las marcas nos invaden, tanto mental como socialmente, e incluso urbanísticamente. Imprescindible si quieres ser un adulto responsable.

No puedes haber cumplido 35 años y no haber leído a Paul Auster, el prolífico escritor neoyorquino de ojos bulbosos y prosa sencilla pero hipnótica. Todas sus obras mezclan el realismo con cierto toque de inverosímil azar, casi magia (o directamente magia, como Mr. Vértigo). Una de las mejores formas de entrar en el universo Auster El palacio de la Luna. Pero si quieres desflorarte, entonces es mejor comenzar con Leviatán. Personajes complejos, jalonados de contradicciones, cierto aire metaficcional, el propio Auster sacando el hocico en la historia, destinos entrelazados, y una ubérrima percepción de la vida americana (tanto social como política). El mejor Paul Auster, el de antes. Para hacerse hombre de verdad.

Estamos ante uno de los libros de viajes más divertidos, eruditos y frescos que he leído nunca. Como casi todos los de Bill Bryson (que además se atreve con todo: divulgar ciencia, lingüistica, historia, e incluso biografías, la de Shakespeare y la de él mismo). En las antípodas se centra en las peripecias de Bryson durante un mes por Australia. Quizás es un país que, a priori, no puede dar mucho juego. Pero os garantizo que no es así: Australia es uno de los países más desconocidos del mundo: los animales más letales viven allí, desiertos que nunca han sido visitados por el ser humano que quizá albergan grandes yacimientos de oro, carreteras de cientos de kilómetros en línea recta que son recorridas por camiones que parecen trenes de mercancías, una epidemia de conejos que podría hundir toda la economía y la biodiversidad del país… y un largo etcétera. Bryson, como siempre, torpe, bonachón y entrañable.

‘La broma infinita’, de David Foster Wallace

Dicen que es el mejor escritor norteamericano vivo, aunque el estatus de vivo lo perdió hace unos pocos años, tras suicidarse. Sus cuentos son obras maestras del estilo, del escrutinio, de la reflexión casi obsesiva. Sus detractores dijeron que no era capaz de escribir una novela, y Foster Wallace respondió publicando La broma infinita, una obra inabarcable, pantagruélica, tentacular, de casi mil páginas. Una novela que hay que leer con tranquilidad y atención: exige mucho, pero también da mucho. Si no queréis tanto sacrificio, entonces os recomiendo su antología Entrevistas breves con hombres repulsivos. Incluso tiene un libro de viajes (o de antiviajes) de dedicado a los cruceros: Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer, que sigue la estela del periodismo gonzo iniciada por Hunter S. Thompson en Miedo y asco en las Vegas.

‘Error humano’, de Chuck Palahniuk

El autor de El club de la lucha tiene verdaderas perlas que superan en mucho a la que acabó siendo una adaptación cinematográfica de David Fincher. Nana, por ejemplo, la considero su novela más redonda. Pero Palahniuk también es un experto a la hora de contar cosas curiosas que parecen nacer en el submundo, como demuestra en Error humano, una recopilación de artículos sobre temas totalmente dispares. “Festival del Testículo”, por ejemplo, es una suerte de fiesta dionisíaca de sexo y depravación. O “Combate de cosechadoras”, que es el artículo más trash, junto al “Festival del Testículo”, dedicado a los habitantes más paletos de Estados Unidos: literalmente son combates de cosechadoras que se organizan al estilo del circo romano de antaño. En el capítulo final, “Personal”, Palahniuk desvela sus más íntimos secretos; algunos de ellos bastante vergonzantes. Especial interés tendrá para muchos el capítulo dedicado a un día en el rodaje de El club de la lucha, y un supuesto potenciador de labios que emplea Brad Pitt.

‘El nombre del viento’, de Patrick Rothfuss

Incluso para los que no suelen cultivar la fantasía, El nombre del viento les fascinará. Es una mezcla de Harry Potter para adultos, con toques de Juego de Tronos, y aroma de El señor de los anillos. Sin embargo, no importaría que la historia transcurriera en un ambiente realista, sin magia, sin dragones, sin tierras imaginadas. Porque el elemento fantástico es lo de menos en esta historia. Rothfuss consigue que nos preocupemos de la vida diaria de Kvothe, del por qué fue una de las personas más importantes del mundo y ahora, sin embargo, es un simple cantinero, triste, avejentado, huyendo del pasado. La segunda parte, El temor de un hombre sabio, no decepciona. Y, a la espera de que llegue por fin la parte que cerrará la trilogía, acaba de anunciarse la posibilidad de realizar una serie de televisión acerca de las aventuras de Kvothe.

‘El juego de Ender’, de Orson Scott Card

La mejor novela para iniciarse en la ciencia ficción del hiperprolífico Card. Una historia de niños muy adulta. De invasiones extraterrestres. De un extenuante entrenamiento. De la batalla filosófica entre dos hermanos que acaban dominando el mundo a través de una suerte de Internet que fue concebido por Card cuando Internet todavía no existía como tal (la obra fue publicada en 1985). La prosa es sencilla, el tema también lo parece, pero El juego de Ender está jalonado de matices, aristas y reflejos que sólo los lectores más avispados captarán. Corred y daos prisa en leer esta novela, porque el final es impresionante, y la inminente adaptación cinematográfica os lo podría chafar con la proliferación de spoilers que se avecina.

’1984′, de George Orwell

La novela de ciencia ficción distópica por antonomasia. ¿Os suena el reality Gran Hermano? Pues el nombre procede de esta grandiosa novela. Aunque no esperéis leer acerca de la vida de una panda de garrulos encerrados en una casa con ínfulas de discoteca de polígono industrial. Aquí, el Gran Hermano es arma propagandística para infundir a la población confianza a la vez que temor y respeto. Aquí también aprenderéis lo que es la neolengua, un recurso hoy en día empleado por los políticos para maquillar sus afirmaciones o hacernos creer lo que no es. Muchos analistas detectan paralelismos entre la sociedad actual y el mundo de 1984, sugiriendo que estamos comenzando a vivir en lo que se ha conocido como: sociedad orwelliana. No puedo estar más de acuerdo, así que no perdáis más tiempo: tenéis que saber dónde vivís antes de cumplir los 35 años.

‘Cultura basura, cerebros privilegiados’, de Steven Johnson

La gente repite y repite los mismos mantras si haberse documentado antes. Por ejemplo, que ver la televisión, jugar a videojuegos o navegar por Internet nos atonta. Niño, lee un libro y deja ya la tele. Sin embargo, desde la neurociencia todo este discurso no se sostiene. La tesis principal de Johnson parte de lo que él llama “la curva del dormilón”, que asume que la cultura de masas está aumentando de complejidad progresivamente a causa de tres factores interrelacionados: los apetitos naturales del cerebro, el sistema económico de la industria cultural y las plataformas tecnológicas en evolución. Imprescindible para cerrar la boca a más de uno. Y para soltar el freno de mano ante la televisión, los videojuegos, Intenet y otros tantísimos vicios inconfesables.

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Hace algo más de un mes que la tercera temporada de la archifamosa Juego de Tronos ha terminado. Tremenda ha sido la polvareda que ha levantado un final que yo de momento desconozco pues no sigo la serie y aún no he llegado al ecuador del tercer libro. Sin embargo, aunque no sea seguidor de la serie ni un fanático de las novelas (los comencé hace no demasiado tiempo), sí que entiendo y comprendo a los seguidores de la serie que se hayan quedado con cara de libro ante un final sorprendente (por lo que he oído) y abierto.

Quedan unos 9 meses para que la serie regrese y dé fin al tercer tomo de la saga, por lo que, supongo, los fans de la saga de George R.R. Martin tendréis que invertir vuestro tiempo en algo de provecho. Algunos os recomendarán que sigáis otra serie o que intentéis potenciar vuestra vida social (si sois demasiado freaks), pero yo, como ávido lector que soy, vengo a recomendaros otras series de literatura fantástica que lo petaron mucho antes que Juego de Tronos. Y no pretendo decir que sean mejores. Simplemente son otras y llegaron antes.

Elric de Melniboné de Michael Moorcock

Surgido de entre las páginas de Science Fantasy, una revista Pulp en el año 1961, se convirtió en el primer gran personaje de la literatura fantástica moderna, la cual viene a ser la versión actual de las novelas de caballería que hicieron perder la cabeza a un famoso hidalgo. Debido a la fama que el caballero albino acabaría adquiriendo daría el salto al terreno de la novela larga en el año 1973.

Ocho libros acabaría lanzando Michael Moorcock, su creador, con Elric como protagonista, adquiriendo una fama inesperada debido a su carácter de antihéroe, hallando su fuerza en pociones mágicas o en Stormbringer, una espada que parece emular las hazañas de Durandarte, la espada que en manos de Rolando fue capaz de romper una montaña. Sin embargo su espada no solo le dotaba de una fuerza extraordinaria, sino que Stormbringer se alimentaba de las almas de los enemigos abatidos por ella, almas que Elric podía utilizar para fortalecerse.

Sin embargo, la afilada hoja no actuaría solamente como arma a utilizar, sino que en ocasiones jugaría el papel de némesis de su propio poseedor al ser una espada con conciencia y maldad, llegando a tomar sus propias decisiones solamente con el interés de seguir alimentándose y fortaleciendo a ‘huesped’, sin importar las víctimas de sus dentelladas.

Como os contaba antes, tal fue la fama adquirida por Elric y su espada que acabaría dando el salto a un ámbito tan cómodo para la literatura fantástica como es el cómic o al mundo de los juegos de rol (con posterioridad). Aparte de esto, la envergadura del personaje permitió a su creador llegar a rivalizar nada más y nada menos que con J. R. Tolkien, cuando el sudafricano aún vivía, quedando patente sus enfrentamientos en ocasiones tan hilarantes como el texto ‘Epic Poo‘.

Crónicas de la Dragonlance de Margaret Weis y Tracy Hickman

Y si Elric de Melniboné acabó dando el salto al mundo de los juegos de rol, en este caso fue el juego de rol el que acabaría dando el salto al mundo de las novelas de fantasía épica. Aprovechando las largas jornadas de trabajo en su empresa para jugar de forma compulsiva a Dungeons & Dragons, Margaret Weis y Tracy Hickman dieron el paso con el que siempre ha soñado todo máster en un juego de rol: lograr que su aventura se acabe convirtiendo en un libro.

Sin embargo, en el caso de esta pareja de autores estadounidenses lo que en principio parecía una mera trilogía a la usanza del Señor de los Anillos o similares se acabó convirtiendo en una serie compuesta por más de 100 volúmenes en el cual desarrollarían uno de los mundos más apasionantes de toda la literatura fantástica, Dragonlance, el cual sería fundamental para el desarrollo de la segunda edad de oro del Dugeons & Dragons, siendo la primera trilogía, Crónicas de la Dragonlance, la puerta de entrada que muchos de mi generación usamos hacia este tipo de literatura.

Una prosa ágil y fácil de comprender para lectores jóvenes, una historia con un gran potencial capaz de atrapar al lector desde el primer instante gracias a una mitología creada a tal efecto y un aspecto coral (como plasmación de una partida de rol con muchos jugadores) en el que los personajes se desarrollarían de una forma coherente y rica permitiendo a cada tipo de lector sentirse identificado con cualquiera de ellos son solo tres de los múltiples aciertos que recoge esta serie.

El divertido aunque hirritante Taslehoff Burrfoot, el bonachón Caramón Majere, el existencial y heróico Tanis el semielfo o el inquietante y enigmático mago Raistlin son solo cuatro de los muchos personajes que protagonizan una serie sobre la que se ha especulado su traslación al celuloide en multitud de ocasiones solamente fructificando en forma de película de animación de bajo presupuesto solamente apta para los más fans.

Geralt de Rivia de Andrzej Sapkowski

Con la serie del polaco Sapkowski di mi primer paso en la fantasía épica adulta, al contener la misma un tono en cuanto a diálogos y contenidos similar al mostrado por Canción de Hielo y Fuego. A pesar de que en inicio el planteamiento de Geralt de Rivia pueda parecer un tanto ‘manido’, es el estilo, es el cómo en vez de el qué, lo que realmente hace digna de mención a esta colección junto a la inexistencia de héroes dispuestos a salvar el mundo.

Utilizando como referencias la mitología de Europa del Este y la vikinga y celta (como tantos otros), Sapkowski construye un coherente entorno desde el cual desarrolla una historia en el que la violencia y el sexo adquieren una importancia crucial tal y como sucede en la obra de George R. R. Martin, aunque el tratamiento de ambas sea un tanto distinto. Mientras que en la descripción de acciones violentas no existe el recreo y el acercamiento que sí hay en Canción de Hielo y Fuego, el sexo sí tiene tanta presencia aunque su tratamiento es un tanto ingenuo en comparación salvo en lo que respecta a las relaciones lésbicas por parte de uno de los personajes principales.

Sin embargo, la crudeza sí hace acto de presencia a la hora de relatar las consecuencias de una guerra que divide al mundo, mostrándose los dilemas morales a los que se enfrentan los personajes implicados aunque sin los giros y las intrigas políticas de la serie que todos ya conocemos.

Como os decía Geralt de Rivia no es el colmo de la originalidad, sin embargo posee un punto a su favor de cara al lector no iniciado, ya que el estilo, la prosa desarrollada por el autor se aleja de la sencillez y esquematismo de obras más cercanas al género juvenil como Crónicas de la Dragonlance o el Elfo Oscuro.

El Elfo Oscuro de R. A. Salvatore

Regresando de nuevo a Dungeons & Dragons nos encontramos con un protagonista atípico dentro de un género como la fantasía épica. Perteneciente al universo Reinos Olvidados, nacido tras la eclosión que supuso el universo Dragonlance, R. A. Salvatore diseñó un personaje que muy pronto lograría conectar con el público debido a su atrayente origen y características.

Perteneciente a una raza esencialmente maligna como son los Elfos Oscuros, Drizzt Do’Urden viviría de por libre ajeno a las costumbres de su raza combatiendo contra el mal presente en el mundo superficial huyendo del mundo subterráneo del que era originario. Sin embargo, tras su ‘domesticación’, su origen drow no estaría presente solamente en su aspecto, sino que en el momento de combatir ‘el cazador’ (su escondida parte malvada) le posee dándole la fortaleza física y habilidades que en apariencia perdió al abandonar su hogar.

Con una escala de valores acorde a lo encontrado en el mundo de la superficie, Drizzt rehuye el combate físico hasta que no queda otro remedio, ejerciendo en multitud de ocasiones como pacificador y mediador, hecho el cual le dotaría de un carácter heróico que permitiría que su fama se extendiese por la zona norte de la Costa de la Espada.

La serie ‘El Elfo Oscuro’ alcanzaría tal fama que acabaron dando un nombre a su autor R. A. Salvatore, quien posteriormente se haría conocido por otras series como la continuación El Valle del Viento Helado o la posterior Sombra Carmesí. Por su parte, Drizzt Do’Urden daría el salto al mundo del videojuego con dos apariciones estelares en las dos partes del famoso Baldur’s Gate. Sin embargo, no aparecería en la adaptación interactiva de Icewind Dale, sirviendo el universo de su segunda serie simplemente como entorno para el desarrollo de la acción.

Añoranzas y Pesares de Tad Williams

Y dejo para el final la que puede ser mi serie favorita del género, estando desde mi punto de vista por encima de las archifamosas obras de Tolkien y R. R. Martin. Teniendo un punto de partida, un desarrollo que puede llegar a recordarnos a Canción de Hielo y Fuego (el frío y unos seres sobrenaturales que provienen de él son claves), sin olvidar apareció 8 años antes, la magia y seres mitológicos adquieren una gran relevancia desde el primero de los 3 tomos que componen la obra, siendo estos dos factores fundamentales en el desarrollo de una historia de la cual es protagonista un personaje aparentemente insignificante en un principio.

Porque a pesar de todo se percibe una fuerte influencia del Señor de los Anillos en esta extensa epopeya, siendo fundamental el crecimiento en lo físico y en lo emocional de un protagonista conocido al principio como Simón Cabeza Hueca pero que posteriormente acabaría siendo el líder de un ejército que lucha por liberar a la humanidad del yugo al que la somete el Rey de la Tormenta. Madurando paso a paso, página a página, Simón se instituye en una especie de Frodo Bolsón, un héroe inesperado.

A diferencia de lo sucedido con las novelas basadas en el universo Dugeons & Dragons, el autor Tadd Williams plantea Añoranzas y pesares como una serie adulta por el estilo desarrollado demostrando una pericia novelística que solo había sido vista hasta el momento por Tolkien y Moorcock, y abriendo paso a la literatura épica adulta junto al autor de Geralt de Rivia y, por supuesto, George R. R. Martin.

También se percibe influencia del ciclo artúrico percibiéndose claras referencias a la leyenda de Excalibur, la importancia de la espada y del crecimiento de un joven insignificante que se acaba convirtiendo en héroe, o al Mago Merlín, jugando uno de los personajes un papel de mentor que recuerda claramente al del conocido mago.

Puede que la cargada prosa y las minuciosas descripciones y disquisiciones emocionales de Tadd Williams ahuyenten al lector acostumbrado a un planteamiento más fresco y ágil, pero todo amante de la literatura, sin importar el género concreto, debería disfrutar de una serie que se toma el tiempo oportuno para arrancar pero que cuando lo hace, te atrapa y no te suelta.

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El nombre, a la hora de triunfar en la literatura, es importante, tal y como sucede con los artistas en otros campos. Hay excesos que no son necesarios, tipo Prince, que pasó a llamarse The Artist. Pero si te llamas Paco Martínez te será difícil resaltar. Y si te llamas Antonio Bragueta Suelta, entonces nunca te tomarán en serio.

Imaginaos, entonces, llamaros como una mujer siendo un hombre. Eso es el problema que siempre arrastró el escritor británico, hombre, macho, varón, Evelyn Waugh (1903 – 1966).

Waugh, autor de la célebre Retorno a Brideshead, tuvo que enfrentarse a una existencia de equívocos y malos entendidos a raíz de su nombre de pila femenino. No es extraño, pues, que Waugh atacara la ausencia de valores de la vida moderna y, en especial, de la sociedad londinense, en la mayoría de sus obras.

Es cierto que “Evelyn” fue un nombre que, antaño, había servido tanto para hombres como para mujeres, pero hogaño, en el siglo XX, era un nombre clamorosamente concebido para las mujeres. Al parecer, su nombre había nacido solo del capricho de su madre (¿quizá anhelaba a una hembra a la que poder ponerle vestiditos?).

Peoro la vida de Waugh se complicó todavía más cuando dio la casualidad de que acabó enamorándose de una chica que precisamente se llamaba como él. Imaginaos el choteo de la gente. Los amigos, para poder distinguirlos, debían incorporar siempre los pronombres personales “ella” o “él” para referirse a ellos: He-Evelyn y She-Evelyn. El trauma duró poco, porque She-Evelyn acabó enamorándose de otro, un amigo común de nombre, indiscutiblemente de macho, John Heygate.

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Paris Hilton es cantante, o eso es lo que pretendía allá por el año 2006 cuando seguramente entre fiesta y fiesta se le encaprichó sacar su propio disco. Gracias a la sabiduría popular este icono del famoseo más absurdo ha vuelto a su vida cotidiana de postureo y modelitos varios.

¿Y donde aparece Banksy en este aciago capítulo de la producción musical? Pues bien, el archiconocido artista británico aportó su granito de arena “interviniendo” varios CDs de Paris Hilton que ya estaban a la venta. Troll nivel experto.

Resulta dificil imaginar en un mismo post las figuras de Banksy y Paris Hilton, aunque para muchos el primero tiene mucho del segundo… pero diferencias aparte la historia que los reunió resulta cuanto menos llamativa.

Paris Hilton publicó su álbum debut “Paris” en el año 2006 aprovechando el tirón que tenía todo lo que envolvía a esta rubia mimada. Por difícil que resulte de creer, su disco llego a las primeras posiciones en ventas y su hit se coló en el top 10 de muchos países. El poder mediático es lo que tiene. Pero algunos no se quedaron quietos ante tal sacrilegio de la cultura musical, resurgieron con su ingenio para poner a Paris en su sitio.

El bueno de Banksy reemplazó más de 500 CDs del álbum “Paris” en 48 tiendas de todo el Reino Unido, por otros reeditados por él y con una buena dosis de photoshop y frases varias en el interior. Este cambiazo incluía temas compuestos por el propio artista con títulos tan sugerentes como “¿Por qué soy famosa?”, “¿Qué he hecho?” y “¿Para qué sirvo?”. Respetaba gráficamente la apariencia, aunque las fotos de Paris Hilton sufrieron alguna modificación. El código de barras mantenía el mismo que el CD original, por lo que los que se lo compraron no supieron nada hasta llegar a casa.

Alguno se llevaría una buena sorpresa, aunque según aseguraron distintos portavoces de las tiendas solo pudieron encontrar unos pocos CDs aún sin vender y no recibieron ninguna reclamación para cambiar las versiones de Banksy por el original. ¿Acaso no se darían cuenta?

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¿Recordáis esa mítica escena de Pulp Fiction en la que Christopher Walken se casca un monólogo frente a un niño (Bruce Willis de pequeño) donde explica la procedencia de un reloj? Que ese reloj perteneció a su abuelo, a su padre, que tuvo que ser alojado en el recto de Walken y de su propio padre para que no lo requisaran durante la guerra. Etcétera.

Pues Luis Buñuel tenía un reloj parecido. Bueno, más o menos.

A pesar de que todos identificamos a Buñuel con su filmografía, el director de cine aragonés también se inició en la literatura durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde concibió algunos poemas, en su mayoría de índole surrealista, como Una traición incalificable o Tragedias inadvertidas como temas de un teatro novísimo.

Pues bien, cuando por fin consiguió llevar a la gran pantalla las obras que imaginaba, Buñuel empezó a soltar un monólogo similar al de Walken a sus actores. Aunque todo era mentira.

Buñuel solía comprar relojes de cadena baratos en los mercadillos, y si las cosas en el rodaje se ponían feas, entonces cogía uno de lo relojes y lo estrellaba contra el suelo. Ya sosegado, se dirigía al interpelado: Ha pasado por todos mis antepasados y me lo regaló mi abuelo antes de morir. ¿Os dais cuenta de lo que me habéis hecho hacer? Y al parecer le funcionaba.

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De entre las pocas personas que, según las informaciones publicadas, mantienen contacto directo y estable con el Presidente del Gobierno (una de ellas residente temporal en Soto del Real, por lo visto), alguna tendría que recomendarle una renovación profunda en su gabinete de comunicación. O, al menos, un concienzudo curso de reciclaje profesional; y, si es posible, que no lo dé Pedro Arriola. Por favorecer la competitividad y reducir el presupuesto, sobre todo.

La estrategia de mutis por el foro que viene siguiendo Mariano Rajoy resulta especialmente sorprendente si uno se fija en el calendario. En estos tiempos de clamor por la transparencia, guardar un insistente silencio se mezcla con el «quien calla, otorga» del refranero español para ofrecernos un cóctel burbujeante y explosivo. Es cierto, eso sí, que es una postura coherente en un señor que afirma que sólo lee el Marca.

Sin embargo, cabe esperar más de sus encargados de comunicación. La callada por respuesta como estrategia de cara a la opinión pública quedó finalmente sentenciada de muerte —nunca fue muy popular, claro, por razones obvias— en el año 1977 con la publicación de La espiral del silencio, la obra de la politóloga alemana Elisabeth Noelle-Neumann que las personas del gabinete de comunicación del Partido Popular ya deberían haber leído o estudiado en la Universidad. A no ser que dicho gabinete lo compongan antiguos alumnos de esas facultades donde se compran en pack la licenciatura y las prácticas en empresas amigas, donde leer y aprender son minucias secundarias.

En su obra, capital para entender cómo se generan y funcionan los procesos de variación en la corriente de opinión pública, Noelle-Neuman hizo una afirmación valiente: el silencio es el patrimonio de los perdedores. Este hecho, que se constata de forma evidente en los procesos históricos, aparece como herramienta de “supervivencia social”. Como, en general, la mayoría de la gente quiere mantener la sensación de pertenencia al grupo, la reacción primera habitual es averiguar cuáles son las opiniones y comportamientos mayoritarios dentro del mismo. Si al contrastarlas con las suyas propias el sujeto entiende que forma parte de la minoría, su tendencia será a tener un cuidado especial al exponerlas en público. Mal síntoma para el Presidente de todos los españoles.

El análisis de la politóloga alemana se centra en el papel que aquí juegan los medios de comunicación de masas, reconociendo la importancia del auge del fenómeno televisivo de su tiempo. Cabe imaginar que sus argumentos sean aún más relevantes en la era de Internet y la sobreexposición informativa. Este fenómeno multiplica el alcance y la relevancia pública del silencio, que se vuelve por sí mismo hecho noticioso y desencadenante de reacciones. Sin embargo, el Presidente del Gobierno, sin que nadie en su gabinete de comunicación se lo impida, en la rara ocasión en que decide no callar, se planta ante todos los españoles desde dentro de una pantalla de plasma y pone muecas raras cuando le cogen desprevenido y le preguntan por Bárcenas. Hasta la fecha, ha vetado 39 de las 50 solicitudes de comparecencia que se le han presentado. Un elefantiásico y chirriante montón de silencio.

En procesos donde el clima de opinión pública juega un papel protagonista, el silencio como estrategia de defensa sólo sirve para favorecer la estrategia de ataque del antagonista. Lo que al principio podría haber sido un núcleo importante de personas dispuestas a creer al Presidente del Gobierno, ha quedado mermado y herido de muerte ante esta espiral de silencio. El clima de opinión desfavorable a su papel en este caso de corrupción se ve alimentado por su no reacción, lo que hace que una serie de individuos que antes consideraban la suya una opinión mayoritaria deja de creerlo y no manifiesta su opinión. A su vez, esta desconfianza creciente entre la población acelera el miedo del Gobierno y le hace ahondar en su silencio, lo que retroalimenta el proceso ad infinitum. Y en ésas estamos.

Parece ahora que, atropellados por la realidad, quienes llevan la comunicación en el Partido Popular se han dado cuenta de la obviedad y están formando filas para contraatacar. Argumentarios repartidos, solicitud de comparecencia; como dicen en mi tierra, vámonos que nos vamos. Echar a pelear los perros, como quien dice. Ante el miedo a que el clamor social acabe por desbordar las costuras por un sitio inesperado, el Gobierno intenta fagocitar el fenómeno y devolverlo a unos causes institucionales que se están poniendo en duda día sí y día también. Una maniobra a la desesperada en la que cuenta con la ayuda inestimable del PSOE de Rubalcaba.

Que nadie se lleve a engaño abrumado por lo demoledor de las portadas de los diarios: siguen sin tomar en serio a la ciudadanía. Este movimiento de Rajoy tiene por objeto espectacularizar el caso, convertirlo en algo que se sigue por televisión como una telenovela posmoderna, y poco más. Según fuentes del propio Ejecutivo, esperan tener todo este asunto resuelto antes de septiembre, momento, dicen, en el que ya sí que habrá otras cosas mucho más importantes que hacer. En nuestra mano está seguir participando de la espiral de silencio y permitir que nos sigan tomando por el pito de sereno tanto como que dejen de hacerlo. Nosotros sabremos.

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Junto a Jack Kerouac y Allen Ginsberg, William S. Burroughs fue uno de los líderes mediáticos de la contracultura de los años 60, y también perteneció literariamente a la Generación Beat, aquélla apegada a los garitos de jazz decadentes, a las calles, a lo sórdido.

El autor tenía muchas obsesiones. Tantas que podría haber pasado como personaje de una de sus novelas. La más llamativa quizá sea su obsesión por la cifra 23. Una cifra que también ha acabado a otras personas. Y es que poseemos 23 vértebras, porque nuestro ADN está dividido en 23 pares de cromosomas (y el par número 23 define el sexo), es el primo más pequeño para el que la suma de los cuadrados de sus dígitos es también un primo impar, Sherlock Holmes y el Doctor Watson vivieron en el 221b de Baker Street durante un período de 23 años, y un largo etcétera.

Pero la obsesión de Burroughs nació de un modo más cotidiano: en un ferry, conoció a un tal capitán Clark, que le contó que navegar de una orilla a otra había sido su ocupación durante 23 años y que nunca había tenido un accidente. Ese mismo día el ferry naufragó muriendo él y todos los ocupantes. Esa misma noche, Burroughs oyó por la radio que un avión que volaba de Nueva York a Miami se había estrellado. El capitán del avión se apellidaba Clark y el vuelo era el número 23.

Desde entonces, Burroughs incorporaría un personaje llamado capitán Clark en todas sus novelas sus novelas, un personaje relacionado con la fatalidad y que tenía por obsesión el investigar el enigma del número 23.

Y es que William Burroughs era un personaje excesivo en todos los sentidos, incluido el literario. Valga como muestra, la oración alternativa que propuso para el Día de Acción de Gracias:

Gracias por el pavo y las palomas mensajeras, destinados a ser cagados a través de las tripas de los americanos. 
Gracias por todo un continente que hemos asesinado y hemos envenenado.
Gracias a los indios que nos proporcionan algo de peligro y de reto. 
Gracias por las grandes manadas de bisontes, por matarlos, sacarles la piel y dejar que se pudra.
Gracias por los trofeos de lobos y coyotes.
Gracias por el sueño americano, por divulgar y falsificar hasta que el fraude salga a la luz.
Gracias por el Ku Kux Klan, por los policías que matan negros y se los apuntan en su cuenta, por las mujeres piadosas y decentes con sus caras mezquinas cansadas, amargadas y perversas.
Gracias por las pegatinas que pongan Matar un maricón en nombre de Cristo.

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El Doctor Octopus se muere. Y, además, se muere por la gran C. Nada de una épica batalla… (“Hey, Albertini, ¿qué haces? ¿si esto es lo mismo que el artículo de Superman?” “Razón no le falta, jefe supremo… comenzaré de nuevo”).

Nueva York. Una gran lucha entre Octopus o Spiderman. Pero no es cualquier batalla, es LA ÚLTIMA BATALLA. Una que se combate, literalmente, a vida o muerte. Uno de los dos contrincantes no sobrevivirá. Tenemos a Octopus moribundo, un cáncer le devora por dentro y el antaño villano algo gordito es ahora un decrépito saco de huesos cuya única chispa de vitalidad la confieren sus inseparables brazos mecánicos. Evidentemente Spiderman ganará, Octopus morirá, o eso nos harán creer… y aquí es donde debo gritar SPOILERS, que si os pareció que la Boda Roja es fuerte, atentos a esto.

Todo el mundo fue testigo de una batalla entre Spiderman y Octopus (publicada en ‘The Amazing Spider-man’ 700; ‘Asombroso Spiderman’ 81 en su edición española). Octopus muere. Pero en realidad solo ha muerto su cuerpo, y en él encerrado estaba Peter Parker, nuestro querido trepamuros. Otto Octavius tiene nuevo cuerpo, con todos los recuerdos, conocimientos y habilidades físicas de Spiderman. No en vano todo ha sido un plan para sortear su inminente muerte por cáncer y, de paso, derrotar definitivamente a su mayor enemigo. Pero no es solo esa derrota, sino que vendrá la humillación después en forma de “Spiderman Superior“.

Ya os podéis imaginar el revuelo que causó esto cuando se publicó en EEUU el pasado diciembre. A un aficionado le puedes dar muertes (y se quejará), le puedes dar resurrecciones (y se quejará), le puedes dar una historia en el que aparezca de repente un secundario olvidado (y se quejará)… por eso Dan Slott, que llevaba un centenar de números planificando y poniendo pistas para esta historia, declaró en las semanas anteriores a la aparición de este número que iba a desaparecer una pequeña temporada de internet ante la avalancha de reacciones.

Y vaya si las hubo, bastantes alabanzas pero también cosas en plan “te has cargado el personaje, no volveré a leer” y, lo más triste, amenazas de muerte. Tampoco es el primer guionista que recibe amenazas de muerte por cargarse a un personaje (o porque no le gusta lo que hacen), mismamente Frank Miller fue al edificio central del FBI en Nueva York con una caja llena de cartas amenazadoras tras publicarse el número de ‘Daredevil’ en el que Bullseye mataba cruentamente a Elektra (que era el personaje más popular de la serie, superando al protagonista con creces).

En Marvel la política de Axel Alonso, el Editor-in-Chief, es bastante sencilla: “si hay una buena historia detrás, adelante“. Claro imagínate llevar esto a los jefes cuando se está preparando el estreno de la película (no sería la primera llamada desde arriba para preguntar qué coj#@%&s hacen), cuadradísimos los tenían que tener. Desde que se hizo con el control de la serie, Dan Slott ha tenido claro qué es lo que quiere contar en Spiderman y su tratamiento ha ido siempre en torno a qué hace de Peter Parker un héroe y tras más de tres años decidió hacer otra exploración: ¿qué es lo que haría de Octopus un héroe? ¿por qué un pulpo quiere convertirse en araña?

Otto Octavius es el típico villano que ha estado toda la vida algo marginado (muy en la línea del maloso marvelita). Tiene, de hecho, más relación con Peter Parker de la que uno pudiera imaginar (y no me refiero a la época en la que se tiraba a la Tía May para disgusto del sobrino). Ambos son cerebritos, han sufrido las burlas de sus compañeros, y han tenido una suerte desigual en la vida. Ahora bien, la lección de humildad que recibió Parker en sus primeros días de Spiderman no la tiene el pulpo. Octopus es muy soberbio… y se ha transformado en Peter Parker, quiere ser Spiderman. No solo quiere ser Spiderman sino que quiere ser mucho mejor de lo que jamás fue nuestro amistoso vecino.

Y aquí está el quid: Octopus quiere jugar a ser héroe y para eso de primeras ha infringido la primera regla tácita del superheroismo: no se mata. Irónico, además, que la primera víctima fue quien le salvó de morir ahogado semanas atrás gracias a la nueva máxima arácnida de “nadie muere”. El Spiderman Superior será más efectivo y contundente… e incluso peligroso. Octopus y Spiderman son tótems que han querido aplicar su personalidad a los animales que representan: En la naturaleza el pulpo no es peligroso, la araña sí.

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